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ピクサー・イン・ア・ボックス「ストーリーテリングの技法」31

約 9 分

ピクサー無料講座「ストーリーテリングの技法」日本語訳その31

カーン・アカデミーで公開中のピクサーの無料講座「ストーリーテリングの技法」の日本語訳を公開いたします。

今回は、レッスン5「フィルムグラマー」より、3つ目の動画Basic shot typesの翻訳です。

これまでの翻訳はこちらです。

※本記事のキャプチャーはすべて、カーン・アカデミーで公開中のピクサーの無料講座「フィルムグラマー」レッスン5の3つ目の動画からのものです。また、カーン・アカデミーが掲載している米Pixar社の動画教育コンテンツに許可を得て翻訳し掲載しておりますが、Pixar社が本動画に正式な日本語訳を付与した場合にはそちらが正しいため、本コンテンツの掲載を取りやめる可能性があることをご理解ください。

Basic shot types

【ルイス】「前回の演習では、物語の一部を小拍子とショットの連続に分解しました。」

【ルイス】「次に、フレーミングとステージングについて考える必要があります。」

【ルイス】「各シーンの設定や環境が舞台となります。」

【ルイス】「そして、その空間の中にカメラの中のキャラクターを配置することをステージングと呼びます。」

【ルイス】「長年にわたり、映画の文法には、観客がストーリーを理解するのに役立つように、さまざまなショットの種類が導入されてきました。」

【ルイス】「例えば、ストーリーが新しい設定や環境を導入することを求めている場合は、ワイドショットから始めるのが一般的です。
このように使用されるワイドショットは、エスタブリッシュメントショットとも呼ばれています。[1]

【ルイス】「エスタブリッシュメントショットの後に、このようなミディアムショットが続くことが多いです。
ミディアムショットとは、個人的な感情や会話を表現するための近距離のショットです。
友達と話しているような感じで。[1]

【ルイス】「感情的な瞬間やストーリーのポイントに区切りをつけたいときには、このようなクローズアップショットが効果的です。
ワイド、ミディアム、クローズアップの3種類のショットは、最もよく使われるショットの種類です。[1]

【ルイス】「ショットを選択する際には、2つの基本的な質問を自分自身に投げかけることを忘れないようにしましょう。
観客に何を知ってもらいたいのか?観客に何を感じてもらいたいのか?
では、これらのアイデアをどのように使っているのか、アーティストから聞いてみましょう。」

【リー】「ワイドショット、ミディアムショット、クローズアップですね。
コツの一つは、シーンの中でこれらのショットをいつ、どのように使うかを考えることです。
1:3シーン全体をクローズアップで撮影した場合、すべてのショットの重みが均等になります。」

【リー】「一方で、会話をしている人たちのミディアムショットを使ってシーンを撮影していて、誰かが爆弾発言をして、その瞬間に大きなクローズアップで撮影した場合は、その瞬間の方が、シーン全体をずっとクローズアップで撮影していた場合よりも、視覚的に重みがあると思います。」

【ブライアン】「すべてのショットは、他のショットでは得られなかった新しい情報を与えてくれるのです。
ショットをアレンジする方法の一つとして、ワイドからミディアム、クローズアップにするというのもありますね。」

【ブライアン】「しかし、それだけではない。
例えば車の場合、極端なクローズアップから始めてワイドにすることもあります。
観客が何を知りたいのか、何を感じたいのかを明確にするために、ショットを設定することが重要なんだ。
それを決めたら、それを知るために観客が何を見る必要があるのかを考え始めなければなりません。」

【キャサリン】「例えば、マンツの隠れ家を例に挙げると、『アップ』では、カールとラッセルがマンツの隠れ家に案内されるシーンの最初は、中程度のショットで始まります。
でも、マンツの隠れ家が見えてくると、ワイドショットになります。
この巨大な洞窟が見えて、洞窟の中に入ると、洞窟の中には巨大な空間が広がっています。」

【キャサリン】「ワイドショットでは、この狂った男が何匹の犬を飼っているのかを見ることができます。
ダイニングテーブルの中に入ると、もう少し近くになります。そして、少し親近感が湧いてきます。
そして、シーンが進むにつれ、カールはマンツが少し狂っていて、これは危険な状況であることが明らかになってきます。[1]

【ルイス】「どのようなショットを使うかを決めたら、フレームの中でどのようにイメージを構成するかを決める必要があります。
フィルムでは、画面の端が枠になっていますが、この枠の中でどのように映像を構成するかを決める必要があります。
その中で、あなたのショットを見ることになります。」

【ルイス】「ビジュアルランゲージのレッスンで学んだことを使って、フレーム内での視覚的な構図をデザインすることができます。
観客に何を知ってもらいたいか、何を感じてもらいたいかを考えてみましょう。
ストーリーポイントを明確にフレーミングすることが重要です。
もし聴衆があなたが伝えようとしているアイデアを明確に理解していなければ、他の何も意味がありません。
彼らは迷子になってしまいます。」

【ルイス】「主題をフレームのどこに配置するかを決める時には、このように真ん中に配置するのが一番簡単です。
中央のフレーミングは、一般的に安定感、つまり中立性を感じさせます。[1]

【ルイス】「もう一つの一般的なフレーミングは「3分の1の法則」と呼ばれています。」

【ルイス】「このように、フレームを3分の1に分割することを想像してみてください。
そして、被写体が4つの交点のいずれかに位置するようにフレーミングします。
3 分の1のルールを使うことは、より面白く自然な構図を作るための一般的な方法です。[1]

【ルイス】「次の練習問題を使って、もっと身近なものにしてみましょう。基本的なショットの種類とフレーミングで」

Activity 2: Basic shot types

Close shot from Monsters Inc.

パートA:あなたの好きな映画の中からシーンやシークエンスを選び、復習し、次の質問に答えてください。[1]

  • ショットの種類(ワイドショット、ミディアムショット、クローズアップ)を変えることで、ストーリーポイントを強調するのに役立つ瞬間を見つけることができますか?
  • 演出やフレーミングは、どのようにシーンの感情的なインパクトを高めていますか?
  • 3 分の 1 のルールが守られているショットを見つけることができますか?

パートB: 前回の練習で確認したマイナーなビートに戻ってみましょう。それぞれの拍子について、効果的なショットのタイプ(ワイド、ミディアム、クローズ)を選択して、次のようにしてください。

  • カメラの視点から、これら3つのショットのフレームをスケッチしてください。観客に何を知ってもらいたいのか、何を感じてもらいたいのかを考えることを忘れないでください。
Example of a storyboard image showing a panning shot of a teacher.
  • 「センタリング」または「3分の1の法則」を使って、フレーム内に被写体を配置することを考えてみましょう。
Rule of thirds image using a still from Ratatouille.
  • 演出をイメージしやすくするために、3種類のショットのそれぞれを下から見下ろすことを想像してみてください。カメラとキャラクターを、ショットタイプを作成するために必要な場所に配置します。カメラやキャラクターの方向性を示すようなメモやセリフ、詳細を追加してください。[1]
Storyboard image from above showing position of the camera and movement of a character.

ピクサー映画でのさまざまなショットの作成方法については、「バーチャル カメラ」のレッスンをチェックしてください。

本文章は、www.DeepL.com/Translator(無料版)で翻訳しました。
画像は下記のサイトから引用しています。
[1]. Partner content Pixar in a Box The art of storytelling 5. Film grammar, https://www.khanacademy.org/partner-content/pixar/storytelling/film-grammar/a/exercise-2-film